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Un sueño, un museo, un milagro

Hace apenas un año, en enero de 2020 cuando aún vivíamos en el mundo pre-pandémico, el gran escultor uruguayo Pablo Atchugarry estampaba su firma sobre una piedra que no era otra cosa más que un sueño: crear un museo para su colección de pintura y escultura latinoamericana. Su nombre: MACA (Museo de Arte Contemporáneo Americano). Su diseño y proyecto arquitectónico: Carlos Ott (nada menos!).

Pablo Atchugarry el 7 de enero de 2020 pronto para firmar la piedra fundamental

Pero como todos sabemos, poco tiempo después el mundo voló por los aires y todo aquello que antes era certeza dejó de serlo, salvo el sueño de Pablo. Es así, que superando todos los obstáculos que el virus que nos aqueja ha desatado, éste enero de 2021, hace apenas unos días, pudimos recorrer y caminar aquel sueño que hoy es más milagro que sueño, y que crece día a día para en enero de 2022 convertirse en realidad tangible.

De todos modos, me atrevería a decir que el museo ya es y sorprende; por su originalísimo y sensible diseño, por el uso exquisito en su estructura de nuestras maderas y por la sutil relación que construye su forma de sensuales ondulaciones con el entorno verde de los extensos jardines de la Fundación Atchugarry. Ese maravilloso parque que dominado por el gran lago y sus cipreses toscanos, despliega esculturas propias y ajenas, consiguiendo envolver el conjunto en un todo orgánico visual y sensible. Un universo en el que la naturaleza, la creación y el arte, son uno. Para mi gusto, el paraíso.

El MACA albergará la colección que hoy se exhibe en la fundación y que cuenta con piezas de primer nivel internacional como la gran esfera de Julio Le Parc, dos espectaculares piezas de María Freire y Costigliolo, una gran escultura de Wifredo Díaz Valdéz pero también están Torres García, Pavlovsky, Pareja, Iturria, Vik Muníz, Frank Stella, Louise Nevelson y muchos otros más. Obras que se recogen en una bella publicación que opera como catálogo del futuro museo y a la vez como registro de la creación del edificio, por lo que de paso nos regala los espectaculares dibujos de Carlos Ott, verdaderas obras de arte autónomas que desprenden esa inspirada soltura estética tan propia del trazo sintético de los arquitectos-artistas.

Hall de entrada de la Fundación Atchugarry con la “Esfera” de Julio de Parc
DIbujos del proyecto del MACA, Carlos Ott
Dibujos del proyecto del MACA, Carlos Ott

El recorrido fue un disfrute total porque contó con la sencillez -y el buen humor- que es rasgo distintivo de Pablo, pero también porque los Atchugarry son una familia que hace las cosas juntos y unidos y allí estaba la infatigable Silvana Neme, esposa de Pablo; Gastón y Mariana Atchugarry (hijos de Alejandro), él dirige la empresa constructora del proyecto, ella se encarga de la parte comercial; Federico Atchugarry (hijo de Marcos) ingeniero del proyecto y Piero Atchugarry (hijo de Pablo) que es galerista y se ocupa de los aspectos artísticos y logísticos de la colección. Un verdadero malón de Atchugarrys, que es continuidad generacional y que augura larga vida al compromiso de la familia con la cultura nacional.

Asimismo y tras la visita a la colección y a las obras, se presentó a los gestores del futuro museo; el arquitecto Leonardo Noguez será el director; el board consultivo estará integrado por Ángel Kalenberg, Jorge Helft, Renos Xippas, Piero Atchugarry y Emma Sanguinetti, mientras que Roberto Vivo será el Presidente de la Asociación de Amigos del MACA.

Pablo Atchugarry es un gran Maestro que ha alcanzado un nivel de madurez creativa y un reconocimiento fuera de fronteras inusual para nuestros artistas, pero por encima de todo Pablo es un sembrador y ama el Uruguay. Si hubiera querido, podría haberse quedado en Italia y mirarnos desde su éxito internacional, en cambio escogió sembrar, aquí, en su tierra. Primero fue el taller, luego la fundación, después la colección y ahora, este imponente museo, porque sus sueños son siembra y su generosidad cosecha de todos.

 

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Ciclo 2019 del “Museo a la pantalla”

 

Llega un año más del ciclo de documentales de arte del Movie de Punta Carretas. Les dejo el programa y un resumen de cada uno. Ah y cuidado, que este año comienza en febrero. Imperdible!!!

El ciclo comienza y febrero y va los miércoles a las 20 hs. Y se pueden comprar las entradas por internet. Toda la información está en www.movie.com.uy

1.       KLIMT & SCHIELE. EROS Y PSIQUE. Escándalos, sueños y obsesiones en la edad de oro de Viena. El documental relata un momento mágico para el arte, la literatura y la música, en el que circulan nuevas ideas, Freud descubre los impulsos de la psique y las mujeres comienzan a reclamar su independencia. Un viaje por la Viena de Klimt y Schiele y las obras de los museos Albertina, Belvedere, Kunsthistorisches, Leopold, Freud y Wien.

2.       LOS NENÚFARES DE MONET. En un país devastado por la guerra, el genio francés cambió el mundo del arte para siempre. A medida que se acercaba el final de la Primera Guerra Mundial, a Monet le quedó claro que su obra no podía dejar de ser su legado final en Francia: un símbolo de paz, esperanza y resistencia en un mundo golpeado. Este es el cuento de una obsesión con la luz y el agua de la que el pintor no pudo escapar. La clara intención de Monet fue transferir al lienzo la “primera impresión pura” de formas y objetos tal como aparecen ante el ojo que nunca antes los había visto. Este documental es una  mirada única y exclusiva a las obras que se encuentran en el Museo Orangerie, el Museo Marmottan, el Museo Orsay y Giverny, por primera vez en la pantalla grande.

3.       DEGAS: PASION POR LA PERFECCION. Desde el Museo Fitzwilliam, Cambridge. Un viaje desde la magnífica exposición del Museo Fitzwilliam en Cambridge, cuya extensa colección de obras de Degas es la más representativa de Gran Bretaña, a las calles de París. Esta película cuenta la historia de la búsqueda de Degas por la perfección mediante la experimentación con nuevas técnicas y lecciones aprendidas de maestros anteriores. A veces, frustrado por sus propios defectos, Degas fue consumido por principios obsesivos y falta de visión, pero su determinación de capturar la vida cotidiana era evidente. Nunca del todo satisfecho, muchos de los dibujos se mantuvieron en privado, pero ahora, a través de un examen detallado, se pueden ver como algunas de las obras más bellamente detalladas y expresivas de la era moderna. Utilizando relatos escritos por amigos y comentaristas, y la narración de cartas escritas por él mismo, esta película revela una verdad más compleja detrás de uno de los artistas franceses más influyentes de finales del siglo XIX.

4.       EL JOVEN PICASSO. Pablo Picasso es uno de los mejores artistas de todos los tiempos, y hasta su muerte en 1973, fue el más prolífico de los artistas. Tres ciudades juegan un papel clave en su vida: Málaga, Barcelona y París. El joven Picasso explora la influencia de cada una en el artista, centrándose en obras de arte específicas de estos primeros años. La película explica así cómo este joven adquirió su oficio. Mirando cuidadosamente dos períodos tempranos clave, el llamado Período Azul y el Período de la Rosa, la película nos lleva hasta 1907 y la creación de una pintura clave en la historia del arte: Les Demoiselles d’Avignon. Fue un cuadro que conmocionó al mundo del arte, pero lo cambió irrevocablemente. Picasso solo tenía 25 años. Trabajando en estrecha colaboración con los tres museos Picasso en Málaga, Barcelona y París, esta película explica cómo se elevó a grandes alturas.

5.       TINTORETTO. Un Rebelde en Venecia | Narrado por Helena Bonham Carter | Invitado Especial Peter Greenaway |  Una nueva producción cinematográfica que celebra el 500 aniversario del nacimiento del último gran artista del Renacimiento italiano. Explorará la rivalidad entre los artistas venecianos más importantes del siglo XVI: Tintoretto, Tiziano y Veronés en Venecia. Descubriremos Venecia a través de la vida y los lienzos de Tintoretto. A medida que se desarrolle la narración, comenzaremos a comprender cómo la plaga afectó profundamente a la ciudad y al arte veneciano. Un gran viaje en la vida y el arte venecianos a través de las obras de Tintoretto.

6.       VAN GOGH Y JAPÓN. “Envidio a los japoneses”, escribió Van Gogh a su hermano Theo. En la exposición en la que se basa esta película, VAN GOGH & JAPAN en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, se puede ver por qué. Aunque nunca visitó Japón, es el país que tuvo la influencia más profunda sobre su arte. No se puede entender a Van Gogh sin entender cómo llegó el arte japonés a París a mediados del siglo XIX y el profundo impacto que tuvo en artistas como Monet, Degas y, sobre todo, Van Gogh. Visitando las nuevas galerías de arte japonés en París y luego creando su propia imagen de Japón, a través de una investigación en profundidad, la recopilación de impresiones y discusiones detalladas con otros artistas, el encuentro de Van Gogh con obras de arte japonesas le dio a su trabajo una emocionante dirección. En esta pequeña historia del arte de Van Gogh, vemos lo importante que fue su estudio de Japón. La película viaja no solo a Francia y los Países Bajos, sino también a Japón para explorar más a fondo la extraordinaria herencia que afectó a Van Gogh.

7.       GAUGUIN EN TAHITI.  Desde Tahití y las Islas Marquesas, en los paisajes que Gauguin vio y retrató, hasta los museos estadounidenses de metrópolis frenéticas e hiper modernas donde ahora se conservan sus mejores obras maestras: Nueva York – Museo Metropolitano de Arte, Chicago – Chicago Art Institute, Washington – Galería Nacional de Arte, Boston – Museo de Bellas Artes. Marcado por la rebelión y el deseo de otros mundos, murió de sífilis, abandonado por todos en la remota aldea de Hiva Oa.

8.       EL MUSEO DEL PRADO Una colección de maravillas | duración: 90 ’ ¿Cuántas veces hemos pensado para nosotros mismos: si solo los museos pudieran hablar? A esta película le gustaría hacer precisamente eso: dejar que el Prado hable por sí mismo. El museo celebra su 200 aniversario en 2019 y cuenta la historia de su vida. Un espectacular Recorrido en Madrid que abarca seis siglos de historia de España como nación. La historia se cuenta a través de las ocho mil obras de arte que se encuentran en sus y, al mismo tiempo, se descubre la historia detrás de cada una. Una pintura es lienzo, color, materia y forma, pero también es la historia de hombres y mujeres, pintores y reyes, palacios y reinas, riqueza y miseria, cuerpo y alma

 

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Concurso “Miradas 2018”

El “Concurso Miradas” es una de esas joyitas escondidas que el Uruguay suele regalarnos. Se trata de un concurso que ya lleva siete ediciones, que es internacional (España, Estados Unidos, Francia, Brasil, Méjico, etc.) y que busca que artistas profesionales y amateurs reflexionen en sus obras sobre el “acto de mirar” y el proceso de la percepción.

De allí que no es casual que la idea haya surgida en un congreso internacional de Oftalmología, en una charla entre los Drs. Jorge Alió de España, Arturo Chayet de Méjico y Juan Echagüe de Uruguay.

Visión Echagüe el día de la entrega de premios

Este año se presentaron más de 220 trabajos para la edición nacional que luego competirá internacionalmente; galardón que Uruguay ha tenido el honor de ganar ya en tres oportunidades. La cosa es que este año tuve el honor de formar parte del Jurado junto a grandes figuras del mundo del arte como Pablo Marks, Mariana Ferraro y Horacio “Hogue” Guerriero.

El Primer Premio fue para María Valdés por “Miradas que quedan, el Segundo fue para Litir Olivera por “Salida” y hubo una Mención Especial para Gonzalo Barbat con la instalación “La rueda de la vida”.  Fue un verdadero placer participar. Les dejo un pequeño video que permite ver algunas de las obras y las obras ganadoras…

Ganadores – Miradas 2018

Así cerramos el concurso Miradas 2018, con orgullo y alegría de ver tantos apasionados del arte reunidos para premiar a los ganadores:Primer premio: María Valdés "Miradas que quedan"Segundo premio: Litir Olivera "Salida"Mención: Gonzalo Barbat "La rueda de la vida"Te invitamos a la exposición de los 20 seleccionados, para que tu también puedas sentir el arte, en nuestra clínica de Bvar. Artigas. Visión Echagüe – Un Mundo Para Ver

Posted by Visión Echagüe on Friday, June 22, 2018

 

 

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SaborArte 2018: el huevo y el aceite

Fue un placer compartir el lanzamiento de una nueva edición de “SaborArte”; la feria gastronómica que combina la experiencia gastronómica con el arte contemporáneo.

En realidad, mi charla iba a ser en el evento a mediados de junio, pero como nos íbamos de viaje con el grupo de todos los años a Viena, Praga y Budapest, acompañé el día del lanzamiento.

Sinceramente, me divirtió mucho hablar del “huevo y el aceite” en la cocina y en el arte. Bon appétit!!!

#SaborArte2018 con Emma Sanguinetti parte 1

De la mano de Emma Sanguinetti​ descubrimos la experiencia que nos hacen sentir el Arte y la Gastronomía.Este 22 y 23 de junio viví el arte culinario de primera mano con BBVA en #SaborArte2018 SaborArteUy​ #SaboresBBVA #BBVAuy @emmasanguinettiarte Comprando en todos los stands adheridos tenés:- 20% de descuento* con Tarjetas de Débito BBVA y Tarjetas de Crédito BBVA Internacional y Oro.- 30% de descuento** con Tarjetas de Crédito BBVA Black y PlantinumSi aún no tenés tu Tarjeta BBVA, solicitala en el stand de BBVA para beneficiarte automáticamente de estos descuentos.Topes de devolución *$2000 y **$3000 respectivamente.

Posted by BBVA on Sunday, June 17, 2018

 

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Nuevo ciclo del “Museo a la pantalla”

Ya comenzó el nuevo ciclo de documentales de arte del Movie Center del Punta Carretas para el 2018. Les dejo la programación en el afiche promocional y un breve resumen de cada documental debajo.

Imperdible!!!

 

MARZO – Cézanne. Retrato de una vida.

No se puede apreciar el arte del siglo XX sin comprender el significado y el genio de Paul Cézanne. Con entrevistas a curadores y expertos de la National Portrait Gallery London, MoMA New York, National Gallery of Art Washington y Musée d’Orsay de París, y la correspondencia del propio artista, la película lleva al público más allá de la exposición a los lugares donde vivió y trabajó Cézanne, y arroja luz sobre un artista que es quizás el menos conocido de todos los impresionistas…hasta ahora.

ABRIL – Hitler vs Picasso. La obsesión nazi por el arte.

Un recorrido cinematográfico a través de 4 impresionantes exposiciones. Después de 70 años de la declaración de guerra de Hitler hacia el arte “degenerado”, este documental revela los secretos del tesoro del Fuhrer. Picasso, Matisse, Renoir y Chagall: pinturas ocultas, saqueadas y condenadas finalmente salen a la luz para revelar la obsesión nazi por el arte. A partir del increíble caso Gurlitt y de su enorme colección, se narra la verdadera historia de las obras maestras proscriptas durante el siglo XX.

MAYO – Van Gogh. Entre campos de trigo y cielos nublados.

Una nueva mirada a Van Gogh, a través del legado del mayor coleccionista privado de obras de arte del pintor holandés: Helene Kröller-Müller (1869-1939), quien, a principios del siglo XX, terminó comprando casi 300 de sus obras, pinturas y dibujos. “Entre campos de trigo y cielos nublados” en la Basílica Palladiana de Vicenza, reúne 40 pinturas y 85 dibujos del Museo Kröller-Müller en Otterlo, Holanda. Esta es una exposición que no solo nos contará sobre el arte de Van Gogh y su genialidad, sino que también nos permitirá comprender la importancia del dibujo como parte de su técnica artística. Sus lienzos, aparentemente instintivos, de “au premier coup” fueron el resultado de largos estudios preparatorios, no de bocetos, sino de obras de arte completas en sí mismas, donde ya se puede encontrar el flujo de líneas que caracteriza el estilo de sus pinturas.

JUNIO – Canaletto y el arte de Venecia.

Documental centrado en la vida y obra del pintor Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto, y en la exposición temporal que recorrió varias ciudades del mundo. Canaletto & the Art of Venice, es un viaje a la vida y el arte del famoso pintor de Venecia. Ningún artista capta mejor la esencia y encanto de Venecia que Canaletto. A pesar de la estrecha relación de Canaletto con la ciudad en la que vivió y murió, la colección de obras más grande del mundo no reside en su Italia natal, sino en Gran Bretaña como parte de la Royal Collection. En 1762, George III compró casi toda la colección acumulada por Joseph Smith, cónsul británico en Venecia y agente principal de Canaletto. EXHIBITION ON SCREEN otorga un acceso único a la Royal Collection, gran parte de la cual se exhibe como parte de la exposición Canaletto y el arte de Venecia en The Queen’s Gallery.

JULIO –   David Hockney en la Real Academia de las artes. 

Considerado como el artista más popular de Gran Bretaña, David Hockney es una sensación global con exposiciones en Londres, Nueva York, París y más allá, atrayendo a millones de visitantes en todo el mundo. Ahora entrando en su novena década, Hockney no muestra absolutamente ninguna evidencia de desaceleración o pérdida de audacia. Con entrevistas íntimas y en profundidad con Hockney, esta película reveladora se centra en dos exposiciones de gran éxito celebradas en 2012 y 2016 en la Royal Academy of Art de Londres. El director Phil Grabsky aseguró el acceso privilegiado para crear esta celebración cinematográfica de un maestro de la creatividad del siglo XXI.

AGOSTO – Caravaggio. El alma y la sangre.

Un nuevo documental dedicado a un maestro italiano : Caravaggio – Alma y sangre.Un viaje por la vida, las obras y las luchas de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio. Su existencia, nada menos que su arte, se caracteriza por luces y sombras, contrastes y contradicciones, genio y sobriedad. Artista revolucionario, a menudo no era tan querido por sus contemporáneos. Viajó por Italia en busca de suerte o quizás en busca de sí mismo, escapando de los enemigos que siempre encontraba a su paso. Milán, Venecia, Roma, Nápoles, Malta, Sicilia. Según la lección de Longhi (el principal experto de Caravaggio), su obra será leída con una referencia estricta a su existencia, encontrando en sus obras maestras el eco de las experiencias personales.

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BlogLas emociones

Aquellos, los de cuatro patas

Frida es mejicana pero no es pintora, es una perra rescatista que pertenece a la Unidad Canina de la Secretaría de la Marina de México. Frida es una labradora que en sus seis años de vida lleva 52 personas localizadas en incendios, deslaves y sismos, 11 de ellas en este último terremoto.

 

frida I

Frida, al igual que Titán, Evil y Eco, una pareja de pastores alemanes, son los que llegan donde los humanos no llegamos, son los que se hunden en los escombros con visores que los protegen del humo y del polvo y van con las patas enfundadas en botas para evitar los cortes y el calor, son los que huelen la vida y si hay suerte nos salvan. Es cierto sí, lo hacen porque están entrenados para hacerlo, pero también es cierto que no es casual que lo hagan.

Jeff Koons
Puppy, Jeff Koons, 1992. Museo Guggenheim, Bilbao

Los perros y los humanos tenemos una larga historia de amor, amistad y compañía, un lazo que tiene algo de mágico y de inexplicable y que está vivo y presente en toda la Historia del Arte, en todas sus formas y facetas, desde los mosaicos de las villas romanas al gigantesco y florido Puppy de Jeff Koons.

Van Eyck Arnolfini
Matrimonio Arnolfini, Jan van Eyck, 1434. National Gallery, Londres

Sin embargo, a mí el primer perro que se me vine a la cabeza es el del Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck. No porque me guste especialmente, sino porque es un perro especial: es un perro-símbolo. Dentro del relato narrativo-simbólico, el perro de van Eyck es la lealtad y por eso está a los pies de las manos unidas que son señal de compromiso y en eje con el espejo que es testigo y la lámpara con la llama eterna. Lealtad, ese incondicional atributo que nos habla del estar y del dar sin condiciones.

Venus Tiziano
Venus de Urbino, Tiziano, 1538. Museo degli Uffizi, Florencia

Claro que el perro también es compañía y entonces pienso en esas maravillosas Venus de Tiziano, que no “son” sino con sus perros. Pequeños, peludos, juguetones pero siempre “falderos”, ellos son el omnipresente testigo en el mundo femenino cortesano. Son aquellos que acompañan cuando la sociedad le retira el saludo a la cortesana, son por ello, los silenciosos compañeros que están cuando nadie tiene el coraje de estar y así se convierten en los secretos observadores del “amor” .

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Cazadores en la nieve, Peter Brueghel El Viejo, 1565. Museo Kunsthistorichens, Viena

El perro también es trabajo y así los pinta Peter Brueghel El viejo en su fabuloso Cazadores en la nieve. Regresan al pueblo tras la larga cacería invernal, flacos y exhaustos caminan junto a sus amos con las cabezas gachas y avergonzadas, replicando como un eco la misma desazón de los humanos, pidiendo disculpas de antemano por lo magro de la caza.

perro goya
Perro semihundido, Francisco de Goya, 1819-1823. Museo del Prado, Madrid

Pero de todos los perros pintados, no hay ninguno que se iguale al de Don Francisco de Goya. Ese perro de las Pinturas Negras que nació en el momento más oscuro de la vida de Goya, es una imagen filosófica, existencial si se quiere. Una pequeña silueta que se recorta sobre un fondo ocre-amarillo y que eleva su hocico buscando una respuesta en el vacío. Algunos lo ven semi-hundido, otros asomándose desde un abismo; como sea, no importa, porque esos ojos que parecen oler vida y buscar el calor de una caricia son los mismos. Sí, es cierto, es solo un pequeño perro en medio de la nada, pero en él están todos los perros, incluida esta Frida mejicana que es hoy una heroína en la tragedia.

*Para Lucía, mi sobrina, la que habla con los perros

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BlogLas confesiones

El alma rusa

Sí, lo confieso, tengo debilidad por los rusos, por los músicos rusos, por los escritores rusos, por los bailarines rusos y obviamente por los pintores rusos. ¿Como huir del hechizo pasional del Concierto para piano No. 2 de Rachmaninoff y no sentir que el corazón va y viene con cada nota como si te azotara una tormenta?

¿Como no vibrar con la intensidad que Baryshnikov le transmite a cada partícula de su cuerpo al bailar Caballos caprichosos de Vysotsky en un Kirov monumentalmente vacío, y no sentir que ese grito de libertad te desgarra y a la vez te transforma?

¿Como rehuir la sabiduría que con precisión metafísica escribe León Tolstoi en la primera frase de Anna Karenina, esa que dice, “todas las familias felices se parecen unas a otras; pero cada familia infeliz tiene un motivo especial para sentirse desgraciada”?  ¿Como rehuirla y no sentir la vulnerable fragilidad de la felicidad en las mil caras de la tristeza?

Sí, lo confieso, para mi los rusos tienen un fuego interior único ¿o acaso Kandinsky y su orgía de color no esconden en su intrínseco vuelo abstracto, los sonidos de las notas apasionadas que cada color encarna? ¿O acaso la sublime y lírica sutileza con la que Chagall vuela una y otra vez a su aldea, no es un eterno viaje interior que mantiene la llama encendida de la madre-tierra?

Porque si hay algo que caracteriza a los pintores rusos desde Wassily Kandinsky a Marc Chagall, desde Chaim Soutine a Alekséi Jawelensky, desde Nicolás De Staël a Natalia Goncharova, es la absoluta y total sensibilidad en la comprensión del color. Hasta Kázimir Malévich en sus extremas exploraciones, descubrió un mundo de sensaciones en un simple y complejo cuadrado negro. Es que el color a diferencia de la objetiva línea, es pura sensibilidad y emoción y tiene no una sino dos personalidades: es materia y expresión a la vez.

Yo, aldea
Yo y mi aldea, 1911 Museo de Arte Moderno, Nueva York

Los pintores rusos son la suprema conciencia del color y estoy convencida de que lo son porque los consume un misterioso fuego interno y cuando algo quema, ya sea en la música o en el cuerpo, ya sea en las palabras o en el lienzo, no hay lugar para las indiferencias ni las medias tintas.

Hay que ser de hielo para no rendirse ante ese dejo de pureza que tiene el alma rusa, y como el mundo que me rodea se está volviendo cada vez más rápido un lugar que no entiendo y que me es ajeno, me dio por pensar en los rusos. Ellos y su espíritu encendido son un antídoto para el vacío y la vulgaridad que nos acecha, y si no me cree escuche un concierto de Rachmaninoff, mire bailar a Baryshnikov o busque un cuadro de Kandinsky o de Chagall. Hágalo y después me dice si no tengo razón.

 

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BlogLas evocaciones

Por Barcelona…

Me disponía a escribir las habituales Confesiones de este blog, cuando me entero del atentado terrorista en las Ramblas de Barcelona. El horror y la muerte se apoderan una vez más de una ciudad entrañable y cercana, una ciudad que hace apenas unas semanas recorríamos en nuestro viaje cultural “España 2017”.

Me disponía a escribir sobre nuestras experiencias en Madrid, pero ante lo sucedido decidí dedicar estas palabras a Barcelona y a su gente, especialmente a una catalana generosa con sus conocimientos y dotada de un gran don de gentes. Se llama Irma* y como ella sabe que nuestros asuntos son el arte y la cultura, quiero hoy desde aquí dedicarle estas palabras que solo buscan evocar aquellos valores que hacen y seguirán haciendo grande a esta ciudad única.

berenguer
Estatua de Ramón de Berenguer III, Conde de Barcelona ubicada junto a la Via Laietana y los restos de la antigua muralla.

Porque Barcelona lleva en la sangre la rebeldía y el coraje para resistir y su historia no deja mentir. Resistieron en el siglo el siglo IX a las desvastadoras incursiones de Almanzor liderados por Wifredo El Velloso, y así renacieron en los tiempos de Ramón de Berenguer –y todos los berengueres y jaimes que le siguieron-, hasta volverse una potencia comercial y liberar toda Cataluña en el siglo XII del dominio musulmán.

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Salas del Museo Nacional de Arte de Cataluña en las que se exhiben la pintura mural del románico catalán

Basta darse una vuelta por el Museo Nacional de Arte de Cataluña, para ver las huellas de esa resistencia en las fantásticas pinturas murales del románico catalán; ábsides, frontales y tallas, que presidieron las pequeñas iglesias del Valle del Boí. Basta pensar en el maravilloso gótico catalán que puebla las iglesias de Barcelona como Santa María del Mar, Santa María del Pi y por supuesto, el Seu, su catedral, ejemplos de la originalidad, independencia y singularidad que distingue a la cultura catalana.

santa maria del mar
Nave central de Santa María del Mar, siglo XIV, Barcelona.

Porque Barcelona resistió en el siglo XVII y XVIII cuando no aceptaron ser gobernados por el candidato francés al trono y padecieron lo indecible durante la Guerra de Sucesión y más aún después, cuando pagaron cara la osadía y Felipe V el primer Borbón tomó su revancha. Basta recordar que el célebre y parisino Parque de la Ciudadela con sus hermosas fuentes y avenidas ajardinadas fue hasta el siglo XIX el símbolo del oprobio, ya que Felipe V erigió allí una ciudadela para controlar a los indóciles catalanes que tanto se le habían resistido.

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Maqueta del pabellón español en la Exposición de París, obra de José Luis Sert

Y llegó el siglo XX y continuaron resistiendo durante los años aciagos de la Guerra Civil. Basta recordar que este año de 2017 se conmemoran los 80 años de Guernica y de aquel mítico pabellón español en la Exposición Universal de París, obra de otro gran catalán, José Luis Sert.

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La Montserrat, Julio González, 1937. Museo Stedelijk, Amsterdam

Más no solo estaban Sert y Picasso, había más obras de artistas catalanes en aquel pabellón; estaba Joan Miró con su Payés catalán y estaba Julio González con su Montserrat, esa mujer que con la cabeza cubierta por el pañuelo de payesa y su hijo en brazos se planta firme, decidida, heroica. La misma actitud, que seguramente y una vez más, tendrá Barcelona ante la adversidad y el dolor.

 

*Para Irma nuestra guía catalana, todo el cariño uruguayo en estos difíciles momentos.

 

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BlogLas emociones

Una cita con los secretos de España

A España se la siente cercana, conocida, como propia; en ella se hunden nuestras raíces históricas, porque a ella pertenecimos y de ella nos independizamos, en ella vive nuestra matriz cultural, porque de ella es la comida que comemos, la lengua que hablamos y las palabras que escribimos. A España se la siente entrañable, porque en ella vibra el origen, ese germen familiar que en un incesante ir y venir que aún perdura, forjó lo que fuimos y continúa forjando lo que somos.

claustro gerona
Claustro de la Catedral de Gerona, siglo XII

Y así de tan cercana y propia, de tan sabida y transitada, España da la sensación de no tener secretos, de no esconder sorpresas y sin embargo, los cuarenta uruguayos que acabamos de regresar de ella, sabemos que España nos regaló cada día una cita con el asombro. Emociones que nos hicieron palpitar en la inmensidad de sus catedrales, en el recogimiento de sus claustros, en la presencia vívida de sus reyes que duros e inflexibles, la cincelaron con el mazo de la convicción y de la fe -para bien y para mal-.

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Salas del Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

Hubo momentos excepcionales, como cuando una mañana brillante de luz con Barcelona desplegándose a nuestros pies desde la cima del Montjuic, vivimos la experiencia de las insondables riquezas que las pequeñas iglesias románicas del Valle del Bohí escondieron durante siglos y que hoy se exhiben en el Museo Nacional de Arte Cataluña.

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Todo el grupo frente al ábside de Sant Clement de Tahull, siglo XII. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

Entramos al museo con la algarabía propia de una mañana de sol, más como si de un encantamiento se tratara, nuestras voces se fueron acallando a medida de que iban apareciendo ante nuestros ojos, aquellas pinturas murales que llegaban a nosotros desde los aciagos siglos XII y XIII. Tiempos en los que España era musulmana, salvo la pequeña franja norte que resistiendo el embate y la dominación, terminó legándole a Cataluña la mayor colección de arte románico del mundo.

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Detalle del Cristo Pantocrator de Sant Clement de Tahull, siglo XII.

El Cristo Pantocrator de Sant Clement de Tahull nos miró desde lo alto del ábside con toda su majestuosa autoridad, envuelto en su geométrica mandorla con su ropaje de innumerables pliegues y prístinos colores, era la viva imagen de la resistencia espiritual y cultural de aquellas tierras pirineicas.

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Agnus Dei y Dextera Domini de los arcos del ábside de Santa María de Tahull, siglo XII.

La Virgen con el Niño, madre protectora, el Agnus dei (Cordero de Dios), símbolo del sacrificio y la redención, la Dextera Domini (Mano de Dios), símbolo de la intercesión divina en favor de los hombres, todas y cada una de las iconografías se iban sucediendo con toda su carga bizantina, con toda su influencia mozárabe, con la línea clara y lumínica de los beatos iluminados.

cristo y abside
Con una museografía perfecta, las pinturas murales se acompañan de frontales y esculturas que contextualizan el clima de las pequeñas iglesias pirineicas del siglo XII y XIII

Lentamente fuimos saliendo del encantamiento, el silencio fue sustituido por el bullicio de la pujante Barcelona que seguía vibrando a nuestros pies, pero nosotros ya no éramos los mismos. Por unas horas, la magia del arte nos había transportado a otro tiempo y a otro espacio, a uno de esos tantos secretos que España guarda en celoso y español silencio.

 

 

*Las fotografías que ilustran esta crónica de viaje, fueron tomadas por los viajeros durante nuestra reciente aventura. Gracias a todos por su talento y generosidad.

 

 

 

 

 

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