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Museos Vaticanos, cinco siglos de arte y cultura

Conferencia de Emma Sanguinetti

“Recorrer los Museos Vaticanos es una experiencia tan inigualable como vasta y compleja. Sus colecciones no son un museo, sino una constelación de museos que abarcan todos los tiempos, expresiones artísticas y culturas. Más son también, la historia de los papas que las reunieron y de los magníficos escenarios que crearon para albergarlas. Cinco siglos de historia que nos permiten emprender un mágico viaje al pasado, un recorrido que testimonia el valor del coleccionismo como protector del arte y la cultura.”  Emma Sanguinetti

Jueves 5 de agosto – 19 horas
Unirse a la reunión Zoom:
https://us02web.zoom.us/j/86953833680
ID de reunión: 869 5383 3680

O seguinos por:

Youtube https://youtu.be/aJB_e2wKapQ

Facebook https://www.facebook.com/InstitutoItaliano/

Twitch https://www.twitch.tv/istitutoitalianodicultura?sr=a

 

Producción de Musei Vaticani y Nexo Digital
DISPONIBLE DESDE EL 5 HASTA EL 8 DE OCTUBRE DE 2021

Ver en : https://vimeo.com/567480115  / Clave: GewjQmfLWU2H

MUSEOS VATICANOS representa un viaje extraordinario para descubrir las más sugestivas obras de arte reunidas en un solo lugar. Una megaproducción realizada por una troupe de 40 profesionales que exploraron a lo largo y a lo ancho los Museos Vaticanos: imágenes nunca vistas efectuadas muchas de ellas de noche caminando por salas en las que se custodian algunas de las obras más preciosas del mundo. Un viaje único y emocionante, guiado por el entonces Director de los Museos Vaticanos, el Profesor Antonio Paolucci.

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BlogLas evocaciones

Por Barcelona…

Me disponía a escribir las habituales Confesiones de este blog, cuando me entero del atentado terrorista en las Ramblas de Barcelona. El horror y la muerte se apoderan una vez más de una ciudad entrañable y cercana, una ciudad que hace apenas unas semanas recorríamos en nuestro viaje cultural “España 2017”.

Me disponía a escribir sobre nuestras experiencias en Madrid, pero ante lo sucedido decidí dedicar estas palabras a Barcelona y a su gente, especialmente a una catalana generosa con sus conocimientos y dotada de un gran don de gentes. Se llama Irma* y como ella sabe que nuestros asuntos son el arte y la cultura, quiero hoy desde aquí dedicarle estas palabras que solo buscan evocar aquellos valores que hacen y seguirán haciendo grande a esta ciudad única.

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Estatua de Ramón de Berenguer III, Conde de Barcelona ubicada junto a la Via Laietana y los restos de la antigua muralla.

Porque Barcelona lleva en la sangre la rebeldía y el coraje para resistir y su historia no deja mentir. Resistieron en el siglo el siglo IX a las desvastadoras incursiones de Almanzor liderados por Wifredo El Velloso, y así renacieron en los tiempos de Ramón de Berenguer –y todos los berengueres y jaimes que le siguieron-, hasta volverse una potencia comercial y liberar toda Cataluña en el siglo XII del dominio musulmán.

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Salas del Museo Nacional de Arte de Cataluña en las que se exhiben la pintura mural del románico catalán

Basta darse una vuelta por el Museo Nacional de Arte de Cataluña, para ver las huellas de esa resistencia en las fantásticas pinturas murales del románico catalán; ábsides, frontales y tallas, que presidieron las pequeñas iglesias del Valle del Boí. Basta pensar en el maravilloso gótico catalán que puebla las iglesias de Barcelona como Santa María del Mar, Santa María del Pi y por supuesto, el Seu, su catedral, ejemplos de la originalidad, independencia y singularidad que distingue a la cultura catalana.

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Nave central de Santa María del Mar, siglo XIV, Barcelona.

Porque Barcelona resistió en el siglo XVII y XVIII cuando no aceptaron ser gobernados por el candidato francés al trono y padecieron lo indecible durante la Guerra de Sucesión y más aún después, cuando pagaron cara la osadía y Felipe V el primer Borbón tomó su revancha. Basta recordar que el célebre y parisino Parque de la Ciudadela con sus hermosas fuentes y avenidas ajardinadas fue hasta el siglo XIX el símbolo del oprobio, ya que Felipe V erigió allí una ciudadela para controlar a los indóciles catalanes que tanto se le habían resistido.

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Maqueta del pabellón español en la Exposición de París, obra de José Luis Sert

Y llegó el siglo XX y continuaron resistiendo durante los años aciagos de la Guerra Civil. Basta recordar que este año de 2017 se conmemoran los 80 años de Guernica y de aquel mítico pabellón español en la Exposición Universal de París, obra de otro gran catalán, José Luis Sert.

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La Montserrat, Julio González, 1937. Museo Stedelijk, Amsterdam

Más no solo estaban Sert y Picasso, había más obras de artistas catalanes en aquel pabellón; estaba Joan Miró con su Payés catalán y estaba Julio González con su Montserrat, esa mujer que con la cabeza cubierta por el pañuelo de payesa y su hijo en brazos se planta firme, decidida, heroica. La misma actitud, que seguramente y una vez más, tendrá Barcelona ante la adversidad y el dolor.

 

*Para Irma nuestra guía catalana, todo el cariño uruguayo en estos difíciles momentos.

 

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BlogLas emociones

Una cita con los secretos de España

A España se la siente cercana, conocida, como propia; en ella se hunden nuestras raíces históricas, porque a ella pertenecimos y de ella nos independizamos, en ella vive nuestra matriz cultural, porque de ella es la comida que comemos, la lengua que hablamos y las palabras que escribimos. A España se la siente entrañable, porque en ella vibra el origen, ese germen familiar que en un incesante ir y venir que aún perdura, forjó lo que fuimos y continúa forjando lo que somos.

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Claustro de la Catedral de Gerona, siglo XII

Y así de tan cercana y propia, de tan sabida y transitada, España da la sensación de no tener secretos, de no esconder sorpresas y sin embargo, los cuarenta uruguayos que acabamos de regresar de ella, sabemos que España nos regaló cada día una cita con el asombro. Emociones que nos hicieron palpitar en la inmensidad de sus catedrales, en el recogimiento de sus claustros, en la presencia vívida de sus reyes que duros e inflexibles, la cincelaron con el mazo de la convicción y de la fe -para bien y para mal-.

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Salas del Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

Hubo momentos excepcionales, como cuando una mañana brillante de luz con Barcelona desplegándose a nuestros pies desde la cima del Montjuic, vivimos la experiencia de las insondables riquezas que las pequeñas iglesias románicas del Valle del Bohí escondieron durante siglos y que hoy se exhiben en el Museo Nacional de Arte Cataluña.

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Todo el grupo frente al ábside de Sant Clement de Tahull, siglo XII. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

Entramos al museo con la algarabía propia de una mañana de sol, más como si de un encantamiento se tratara, nuestras voces se fueron acallando a medida de que iban apareciendo ante nuestros ojos, aquellas pinturas murales que llegaban a nosotros desde los aciagos siglos XII y XIII. Tiempos en los que España era musulmana, salvo la pequeña franja norte que resistiendo el embate y la dominación, terminó legándole a Cataluña la mayor colección de arte románico del mundo.

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Detalle del Cristo Pantocrator de Sant Clement de Tahull, siglo XII.

El Cristo Pantocrator de Sant Clement de Tahull nos miró desde lo alto del ábside con toda su majestuosa autoridad, envuelto en su geométrica mandorla con su ropaje de innumerables pliegues y prístinos colores, era la viva imagen de la resistencia espiritual y cultural de aquellas tierras pirineicas.

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Agnus Dei y Dextera Domini de los arcos del ábside de Santa María de Tahull, siglo XII.

La Virgen con el Niño, madre protectora, el Agnus dei (Cordero de Dios), símbolo del sacrificio y la redención, la Dextera Domini (Mano de Dios), símbolo de la intercesión divina en favor de los hombres, todas y cada una de las iconografías se iban sucediendo con toda su carga bizantina, con toda su influencia mozárabe, con la línea clara y lumínica de los beatos iluminados.

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Con una museografía perfecta, las pinturas murales se acompañan de frontales y esculturas que contextualizan el clima de las pequeñas iglesias pirineicas del siglo XII y XIII

Lentamente fuimos saliendo del encantamiento, el silencio fue sustituido por el bullicio de la pujante Barcelona que seguía vibrando a nuestros pies, pero nosotros ya no éramos los mismos. Por unas horas, la magia del arte nos había transportado a otro tiempo y a otro espacio, a uno de esos tantos secretos que España guarda en celoso y español silencio.

 

 

*Las fotografías que ilustran esta crónica de viaje, fueron tomadas por los viajeros durante nuestra reciente aventura. Gracias a todos por su talento y generosidad.

 

 

 

 

 

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BlogLas provocaciones

La banalidad de lo banal

Nadie como Andy Warhol entendió con tanta precisión el sentido del adjetivo banal. Entre carteles de neón, lentejuelas y su habitual sarcasmo, Warhol consiguió lo imposible: convertir la palabra que califica lo insustancial en su contrario. Warhol hizo que la banalidad tuviera sustancia y lo hizo banalmente, o sea llamándonos la atención sobre nuestra propia banalidad.

Cuando el mes pasado, el Museo del Louvre fue anfitrión de la nueva colección de carteras Louis Vuitton diseñadas por el artista “neo-pop” Jeff Koons, me impuse no escribir sobre el tema, casi como un acto de resistencia intelectual. Sin embargo, cuando ayer leí la intervención de Mario Vargas Llosa en la Feria del Libro de Buenos Aires, todos los filtros cayeron y me dije, estamos en problemas.

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Jeff Koons y su bolso dedicado a la “Cacería del tigre” de Peter Paul Rubens

Jeff Koons juega a ser Warhol; toma a la Gioconda de Leonardo y a las chicas rococó de Fragonard, a los paisajes de van Gogh y a los tigres de Rubens, les estampa su nombre junto a las iniciales de la marca y transforma un souvenir de tienda de no más de 5 euros, en un objeto kitsch de colección que le costará entre 800 y 2.100 euros según el modelo que elija. Nos guste o no, Jeff Koons nos dice que si sus obras son, es porque nosotros como sociedad las legitimamos. Pura lógica warholiana; si Ud. es tan estúpido para entrar en este negocio de hacerme famoso y millonario, sea bienvenido al mundo de la banalidad. Si no lo hace, despiértese de una buena vez, porque hay miles detrás de Ud. que hacen cola para comprar. En pocas palabras, nos dice “así están las cosas”.

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Vargas Llosa -por su parte-, hace un encendido discurso sobre la inconsistencia de la imagen frente a la palabra, nos advierte sobre los peligros de la banalidad de formar espectadores y no lectores y lamenta que la literatura ya no tenga la profundidad intelectual de otros tiempos. Sin embargo, él mismo es el protagonista del ritual supremo de la banalidad: la tapa de Hola. El Vargas Llosa de revista -que nos regala la sonrisa trivial de la felicidad de folletín semana a semana ininterrumpidamente-, convive con el que denuncia la superficialidad de los demás, incluida la de sus propios colegas escritores.

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A primera vista, todo parece muy warholiano pero por desgracia no lo es. Warhol es fáctico, comprende la realidad y satiriza sobre ella, nunca es contradictorio, de allí, que Jeff Koons reinvente la apuesta original. Vargas Llosa contradice sus palabras con su propia imagen, una trivialidad que puestos a ser comprensivos en aras del “amor”, no sería tan dramática si su discurso tuviera contenido analítico y alguna que otra idea nueva, pues va de suyo que la frívola exposición mediática no lo descalifica necesariamente como escritor ni como parte del mundo de la cultura.

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El punto es que cuando oficia de observador de la realidad, nos da como única respuesta blandir El Quijote de Cervantes o Los Miserables de Victor Hugo y a dar la batalla. ¿Como se supone que vamos a ganar? Es por esto, que su voz se parece más a la de un monje medieval que aferrado a un manuscrito iluminado, denuncia la maldad apocalíptica de la novel tecnología de la imprenta.

La pantalla es una realidad irreversible y nuestro desafío -igual que ocurrió en el siglo XVI con la imprenta- es conseguir domarla a fuerza de comprensión, estrategia y contenido. Se precisan ideas, el resto es legitimar la banalidad y para eso no cuenten conmigo. Ay Andy, como te estarás riendo de nosotros…

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BlogLos pensamientos

Gucci se quedó sin Partenón

Acrópolis de Atenas. Al fondo se ven iluminados, el Partenón y el Erecteion, ambos construidos en el siglo V a.c. por orden de Pericles y la asamblea ateniense

Y cuando parecía que nadie se iba a animar, Grecia dijo “no”. Esta semana le negó a la marca de moda Gucci la autorización para realizar un desfile en los templos de la Acrópolis ateniense; más precisamente en el espacio que separa el Partenón del Erecteion, el bellísimo templo jónico famoso por las seis cariátides de su pórtico sur.

Los argumentos fueron claros, “…se trata de monumentos únicos, símbolos del patrimonio mundial…el Partenón y la Acrópolis no necesitan publicidad y no es compatible con el evento que nos proponen …”, etc, etc. Es posible también, que haya influido la magra oferta económica de tan solo 2 millones de euros para eventos que superan los 55 o 60 millones de costos.

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Desfile de Fendi en la Muralla China, 2007

No lo sabremos nunca y creo que no importa saberlo, porque más allá de argumentos esta negativa es un límite y como tal viene a decir: hay lugares que “sí” -la mayoría, casi todos- y hay algunos otros, unos pocos que “no”. No estoy en contra de estos deslumbrantes shows, por el contrario soy una fervorosa defensora de esta comunión entre arte, cultura, moda y espectáculo.

Es un vínculo que le hace bien a los dos mundos y los dos ganan con creces en múltiples aspectos, pero no por ello todo vale y hacen falta solo unos pasos en la dirección equivocada, para que lo sublime se convierta en una frivolidad de antología.

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Desfile aniversario de Fendi en la Fontana di Trevi en Roma, 2016

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Aún tengo en la retina las imágenes del fantástico desfile de los 90 años de la Casa Fendi en la Fontana de Trevi en julio de 2016. Un ejemplo en este sentido, Fendi pagó la restauración de la fuente y la fuente le retribuyó el gesto con una noche mágica: un cielo de verano, una pasarela invisible y esas mágicas mujeres levitando sobre el agua en medio de luces y reflejos. Simplemente, inigualable; ni Bernini lo hubiera imaginado mejor.

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Desfile de Louis Vuitton en el Museo de Arte Moderno de Niterói, 2016
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Desfile de Dolce&Gabbana en el escenario de la Scala de Milán, 2016

Claro que los ejemplos son infinitos; en 2015 Carolina Herrera hizo su desfile en la Frick Collection de Nueva York y Dolce&Gabbana en el escenario de la Scala de Milán, sin embargo, el despliegue del 2016 fue insuperable y no solo por la Fontana. Chanel copó las calles de La Habana, Louis Vuitton el Museo de Arte Moderna de Niterói obra de Oscar Niemeyer y las modelos de Dior se pasearon por el Blenheim Palace, residencia ancestral de los duques de Marlborough -perdón, el lugar donde nació Winston Churchill-.

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Desfile de Gucci en los claustros de la Abadía de Westminster, 2016

De todos modos, fue Gucci la marca que consiguió en 2016 “el” lugar. Su desfile fue en el edificio religioso más importante del Reino Unido, los claustros de la Abadía de Westminster. Allí se coronan los reyes de Inglaterra desde que en 1066 lo hiciera Guillermo El Conquistador; allí se casan sus príncipes y descansan sus reyes, primeros ministros, artistas, pensadores y científicos.

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Ahora, a no confundir, Trevi es una fuente pública, la Scala es un teatro y Blenheim por mas prosapia y alcurnias no deja de ser un palacio; que Gucci haya llegado a Westminster Abbey da para pensar. Al fin de cuentas, cada lugar tiene su historia y sus singularidades a respetar y esos deberían ser los parámetros que marquen los límites de cada caso. Y si 2016 Gucci pudo forzarlos consiguiendo la Abadía Westminster, en 2017 se quedó sin Acrópolis y sin Partenón.

*Gracias a Eugenia Gil Sanguinetti por la información del mundo de la moda
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Noticias

Del museo a la pantalla

Ya se está en marcha, el nuevo ciclo de documentales “Del Museo a la pantalla” que organiza el Movie de Punta Carretas. Esta segunda mitad del año, estará dedicado al arte italiano y a sus grandes museos. Va todos los miércoles de cada mes a las 20 hs. y hay que sacar las entradas con anticipación porque se agotan.

Les dejo el programa y los temas. Que lo disfruten!

 

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Noticias

Jazz, arte e igualdad de género

 

Les cuento que el viernes 13 de mayo a las 18 hs, voy a participar de una mesa de debate sobre Arte e Igualdad de género en la Sala Delmira Agustini del Teatro Solís. El evento es organizado por el Jazz Tour junto con Unesco y consiste en un panel de diálogo sobre la participación de la mujer en el mundo de las artes y la cultura.

En la ocasión se presentará el Informe de Unesco sobre Igualdad de género: patrimonio y cultura y luego se abrirá el debate el que será moderado por la periodista y conductora Victoria Rodríguez.

Es con entrada libre y están todos invitados.

Participan:

Frederic Vacheron / Representante de Unesco frente al Mercosur Cultural

Emma Sanguinetti / Periodista cultural, docente y divulgadora

Susana Dominzain /Directora del Observatorio Universitario de Políticas culturales, Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación -UDELAR

Mariana Percovich / Directora de Cultura de la Intendencia de Montevideo

Ernesto Donas / Músico y Director de la Escuela Universitaria de Música

María Noel Taranto / Cantante de Jazz

Laura Canoura / Compositora y cantante de música popular

 

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